Cultura

Hotel Flamingo es el grupo formado por Andrea Guasch y Rosco, quienes se unieron a través de su trabajo en el afamado musical 'La Llamada'. Dos artistas que unen sus gustos y disciplinas en este proyecto común.

La boy band y estrellas del K-Pop Seventeen anuncian los recintos de la etapa europea de su gira mundial . Producida por Live Nation, la gira, que hará parada solo en cuatro ciudades europeas, arrancará el 3 de marzo en el WiZink Center de Madrid y continuará por París en La Seine Musicale y Londres en Wembley, concluyendo el 10 de marzo en Mercedes-Benz Arena de Berlín.

"No es el libro de la película, sino un artilugio literario fascinante". Bob Pop arrancó ayer la presentación del libro Dolor y gloria (Reservoir Books), de Pedro Almodóvar, con esta jugosa definición delante de una audiencia entregada que abarrotaba la sala Equis, en Madrid, y que disfrutó de las preguntas del periodista, que al inicio, para despegar dudas de su nula imparcialidad, aclaró lo fan que es del cine de Almodóvar, y de las respuestas largas y vibrantes del autor del volumen. "Enfrentarse al libro de Dolor y gloria como si fuera un fetiche o una operación de mercadotecnia es perderse un disfrute enorme", subrayaba Pop. Cierto: Dolor y gloria no es el típico libro al uso, sino que contiene textos sobre el proceso creativo, el storyboard, fotografías... e incluso un texto de un Almodóvar ficticio que nunca hubiera dirigido una película. Tal vez, porque, como aclaró su autor, Almodóvar es tan cineasta como escritor, aunque no quedó claro si son dos luchando por ganar al otro o las dos caras de un mismo artista.

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20.30 / La 2

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No está claro si Venecia se hunde o la están hundiendo. Y aunque es cierto que los episodios de Acqua alta cada vez son más frecuentes e intensos, no debemos olvidar que el Adriático lleva ‘casado’ con la ciudad desde hace unos mil años. Cada año, el día de la Ascensión, el Dogo salía de la Laguna y arrojaba al mar una alianza de oro, en una ceremonia de esponsales que se repitió durante siglos. Así, es lógico que los amantes quieran consumar de vez en cuando, aunque últimamente se les vea más ardorosos que de costumbre. En este romance, los humanos son apenas testigos de este amor milenario, pero también colaboran en acelerar los tiempos, ya sea por acción, con el desarrollo de una monstruosa industria turística que es a la vez la salvación y la maldición de la ciudad, o por omisión, con el injustificable retraso en la construcción de diques que tal vez –solo tal vez— sean capaces de retrasar el abrazo final entre la ciudad y su mar, o entre el mar y su ciudad.

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¿Es necesario buscar pretextos para recordar a Sam Peckinpah, uno de los creadores más singulares, violentos y poéticos que ha dado la historia del cine? En mi caso, no. Muchas de sus historias, imágenes, personajes, diálogos están incrustados a perpetuidad en mi memoria cinéfila y sentimental; me han provocado una emoción perdurable, ocupan un lugar privilegiado en las sensaciones más fuertes que me han regalado las películas. Hace tiempo que no retorno a ellas, pero dudo que apareciera el desencanto. Y si lamentablemente ocurriera eso pensaría que ellas no han cambiado, sino yo. No sé si estas abundan en el catálogo de las plataformas digitales o si encuentran un hueco en las televisiones en abierto. Yo las conservo con mimo en DVD y en Blu-Ray, formatos casi desaparecidos e imagino que las filmotecas que se respeten a sí mismas programarán su obra. Pero, vale, el pretexto. Esta semana se cumplen 35 años de la muerte de Peckinpah. Y 50 del estreno de Grupo salvaje.

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Cuando tenía 12 años, a Lupita se le murió su padre. Iba a pasar con él y su madre, la estrella mexicana de cine Begoña Palacios, unos días en Puerto Vallarta. Su padre había llegado antes y telefoneó a su madre: no se encontraba bien. Así que los dos adultos volaron a Los Ángeles, para ingresar en un hospital. Allí murió el 28 de diciembre de 1984 Sam Peckinpah, uno de los grandes del cine; para Lupita, sencillamente, "papá".

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A lo largo de más de 2.500 kilómetros, desde la ciudad de Wyoming, en Minnesota, hasta Nueva Orleans, en Luisiana, como si de una sombra de asfalto se tratara, la Ruta 61 sigue la senda de un río: el Misisipi. Una distancia que, a la inversa, recorrieron numerosos afroamericanos en busca de una mejor fortuna en las industriales ciudades del norte. Un camino empapado por el lamento del blues, convertido en símbolo de movimiento y libertad que, durante los últimos seis años, ha recorrido en solitario Jessica Lange dando lugar a Highway 61, su último proyecto fotográfico.

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El 23 de abril de 2000, Gran hermano hizo historia en la televisión española. Su primera entrega tuvo bastante de experimento sociológico y televisivo, sobre todo si se le compara con lo que hoy es el programa (con varias ediciones, famosos de la cadena, reencuentros, en dúos, etc). Pero los espectadores se engancharon al fenómeno. Y así continúan hasta hoy. Ni siquiera el último escándalo, el supuesto abuso sexual de la concursante Carlota Prado (cuyo juicio sigue pendiente de fecha) en la última versión con concursantes anónimos, en 2017, ha frenado a la audiencia, aunque sí a varios anunciantes importantes. No es la primera vez que surge polémica por abusos o violencia en el programa de Mediaset y Zeppelin TV. Violencia, comentarios salidos de tono, bofetadas y lanzamientos de objetos han sido recurrentes las dos últimas décadas.

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En las novelas de Milan Kundera raramente leerán ustedes la palabra Checoslovaquia. Tampoco a nadie que proceda de ahí. Por contra, no existe autor vivo que mejor haya retratado el alma efímera de un país que apenas sobrevivió a su propio nombre setenta años.

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Quizá para conjurar el vértigo del nuevo proyecto, el editor Jaume Vallcorba pareció ir al todo o nada: en el nombre (Acantilado); el logotipo (un hombre lanzándose en perfecto plongeon vertical); los colores (negro azabache y “rojo Ferrari”, como le llamaba, amante de los coches deportivos); papel italiano y de acidez neutra y duradera; tipografía estudiada; volúmenes cosidos… No podía haber medias tintas en quien iba a publicar o a relanzar en 1999 a autores mayormente semidesconocidos centroeuropeos como Joseph Roth, Stefan Zweig o al Imre Kertész antes de ser Nobel; o las 1.736 páginas de los ensayos de Montaigne según una edición de 1595; o las memorias del arquitecto de Hitler, Albert Speer; o una biografía de Beethoven, de Jan Swafford, de millar y medio de páginas. Dos décadas después, el sello, hermano pequeño del catalán Quaderns Crema (que cumple ahora 40 años), no solo sobrevive al salto sino que pasa por ser uno de los más refinados de la edición española. Y hasta vende.

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Cuando han pasado 35 años desde que la primera astronauta-madre, Anna Fisher, salió al espacio y apenas dos meses desde el primer paseo espacial de un equipo formado solo por mujeres, Próxima nos acerca a una realidad muy terrenal: el duro dilema de una mujer, madre de una niña de ocho años, durante las semanas previas a su misión de un año en Marte. Un planteamiento tan sencillo como eficaz para explicar el estado de angustia y el estigma que rodea a una madre ausente. Tercer largometraje de la francesa Alice Winocour, Próxima se centra por un lado en la relación materno-filial y, por otro, en el entrenamiento previo al viaje espacial, dejando todo lo demás en un segundo plano. Su expareja o los compañeros de misión solo ponen en evidencia la soledad del personaje, que carga con el sutil chantaje emocional de los demás y sobre todo con la losa de su inevitable sentimiento de culpa. La astronauta, una estupenda Eva Green, no solo se topa con el drama de conciliar su maternidad con su vocación sino con el velado sexismo de sus colegas, que se aprovechan de su íntima quiebra para considerarla más cercana a una turista espacial que a una profesional con las mismas capacidades que ellos.

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Es Próxima todo un grito feminista en imágenes, una denuncia de la situación que las mujeres todavía soportan en el mundo laboral, una decidida defensa de la compatibilidad del trabajo y la maternidad, una historia bellísima sobre la conciliación familiar y la superación del sentimiento de culpabilidad. Esos eran los objetivos, claramente conseguidos, de la cineasta francesa Alice Winocour cuando se planteó llevar a la pantalla la relación entre una madre y su hija pequeña. Próxima, película que consiguió el Premio Especial del Jurado en el pasado festival de cine de San Sebastián y que se estrena hoy en los cines, habla de la persecución de un sueño, el de una mujer en un mundo de hombres, una madre que quiere ser astronauta sin que por ello la maternidad afecte a su carrera profesional.

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“Somos casas en venta sin posibilidad de alquiler a la espera de un comprador”. La frase, directa, inteligente y lúgubre, la pronuncia una de las jóvenes hijas de una familia de artistas en proceso de decadencia económica, respecto del futuro e inevitable matrimonio en el París de finales del siglo XIX. Y articula el espíritu libertario y reivindicativo de la película francesa Curiosa, debut en el cine de la hasta ahora realizadora y guionista televisiva Lou Jeunet, alrededor de una de esas figuras esquinadas por la historia y la cultura, que en estos años de necesario feminismo están encontrando acomodo, en un tipo de producción muy consciente del interés de un reconocible arco de público.

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¿Qué tienen que ver Eugenio Martín, Jordi Grau, Mariano Ozores, Javier Aguirre, Joaquín Romero Marchent, Eloy de la Iglesia y Juan Piquer Simón? Muy poco en la superficie y mucho en una entidad común a todos ellos y a su cine: la falta de necesidad de la intelectualidad, esa condición quizá asociada a los solemnes tiempos contemporáneos, de arqueo de ceja en señal de disgusto ante cualquier propuesta de pura explotación que no vaya más allá del efervescente entretenimiento. Todos ellos, y alguno más, como Narciso Ibáñez Serrador, Jesús Franco y Paul Naschy, son los cineastas a los que Paco Limón y Julio César Sánchez han dedicado su primer largometraje documental: Sesión salvaje. Una obra acorde con el espíritu que glorifica: más acumulativa que rigurosa, más furiosa que estructurada, más cercana a la historieta que a la didáctica, pero de divertimento absoluto y seguro que de feliz descubrimiento para cinéfagos sin pretensiones ni remilgos.

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No sé por qué, cada vez que ocurre una cosa banal referida al arte contemporáneo la prensa salta ágil para convertirla en noticia. El asunto se hace más excitante cuando lo absurdo ocurre en una feria de arte y hay dinero por medio –poco o mucho, es lo de menos-. Lo vemos todos los ARCO con muñecones de dictadores, fotos de presos que para unos son políticos y para otros no, ofensas a la religión que son más bien ofensas al buen gusto… Hasta el telediario contribuye a la noticia, prueba irrefutable de la importancia del evento, pues son pocas las veces que allí se habla de artistas vivos. Y se aprovecha para hacer un repaso la genealogía de las provocaciones, tomaduras de pelo o, sencillamente, chorradas. Desde la “mierda de artista” de Manzoni hasta los artistas de mierda (con perdón), el recorrido es tan infinito como permiten los quince segundos del noticiero.

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En Señoras y Bedeles conviven miembros de otras formaciones como Los Bengala, Volcanes, Tachenko, Ricardo Vicente, Picore o The Faith Keepers. El nuevo grupo publicará su primer disco a finales de enero de 2020. Se llamará Las cosas que no puedo ver. PAÍS estrena su primer videoclip.

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Una de las claves de la comedia está en los excesos. De cualquier tipo: el físico, lo que lleva al slapstick; el de la conducta o del propio arte, lo que lleva a la burla, a la caricatura y a la parodia; el del ditirambo, lo que da lugar a la sátira. Las buenas intenciones, película francesa dirigida por Gilles Legrand, se adentra en uno de estos excesos, el de la exageración vital hasta rozar el ridículo, y lo hace con un tema muy atrevido: la solidaridad.

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Reivindicación aventurera del tradicional juego de mesa y del poder de la imaginación, Jumanji fue una de las películas esenciales para los niños de mediados de los años noventa, al tiempo que celebrado artefacto nostálgico para sucesivas generaciones, enganchadas a un poder de seducción que suele ir asociado con la calidez de una tarde entre amigos o hermanos. Así que, conscientes de su condición de clásico moderno del cine familiar, cuando sus productores decidieron el renacimiento tardío de 2017 en Jumanji: bienvenidos a la jungla, impulsaron el impacto visual del videojuego en perjuicio del viejo tablero alrededor de una mesa, pero manteniendo una cierta ingenuidad infantil en su relato y en sus correrías, acorde con su tradicional espíritu.

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El escritor de un país sin librerías se acerca a través de la mirada y la obra del autor exiliado Juan Tomás de Ávila Laurel a la realidad de la excolonia española. Cincuenta y un años después de su independencia, Guinea Ecuatorial vive bajo una de las dictaduras más férreas y longevas del mundo donde, pese a tener una de las rentas per capita más altas de África, Teodoro Obiang controla un país en el que más de la mitad de la población sigue sin acceso al agua potable.

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