El Pais - Cultura

Verónica Haro Abril (Quito, 1984) recordó que tenía una historia guardada en su corazón cuando en un taller de producción de cine, en Tenerife (España), le pidieron que defendiera un proyecto que le motivara de verdad. En ese instante pensó en su abuela, que en ese momento todavía vivía, y en las otras 12 ancianas que habitaban un caserío de los Andes donde todos los hombres murieron. “Hice unos bocetos, escribí en mi cuaderno y a la mañana siguiente los españoles, como ellos dicen, fliparon con la historia, me dijeron que la película debería llamarse las viudas del río”, cuenta la cineasta.

Seguir leyendo.

Alemania jamás estuvo en posición de ganar la Segunda Guerra Mundial: no disponía de recursos suficientes. Expandido por los cinco continentes, el Imperio Británico había puesto su industria al servicio de la economía de guerra desde el inicio, tenía una flota mercante superior a la del resto del mundo y disponía de un flujo inmenso de suministros provenientes de EE UU, desde antes de que este país entrara en la contienda. Lo cuenta James Holland, historiador británico, en El auge de Alemania: el mito del poder de la Wehrmacht es fruto de la propaganda de guerra, destinada a magnificar la victoria propia.

Seguir leyendo.

En la ciencia ficción clásica el principal temor suele ser que los androides se acaben pareciendo tanto a los humanos que acaben destruyéndolos. De ese terror nacieron precisamente las tres leyes de la robótica que Asimov desarrolló en su famoso libro Yo, robot, encaminadas todas a impedir que las máquinas dañen a las personas. Esta obra de Íñigo Guardamino (autor y director) da una vuelta de tuerca a todo eso: el miedo es que los humanos se conviertan en robots.

Seguir leyendo.

Manuel de Falla ocupa en la posteridad un papel tan discreto como el que ocupó durante su vida. En un siglo de egos megalómanos en la literatura y en las artes, en un país de palabrerías y aspavientos, Manuel de Falla es un hombre pequeño de estatura y sigiloso de ademanes del que nadie diría, por su aspecto exterior, que estaba componiendo algunas de las músicas más originales, más hondamente perturbadoras de su tiempo y del nuestro. En el siglo XX la idea romántica del genio se hipertrofia hasta el exceso y la caricatura. El genio es un monstruo que se cree con derecho a todo y al que se le permite todo. Las célebres vanguardias, tan rápidamente canonizadas en ortodoxias, conceden al genio una autoridad a la vez tiránica y liberadora, como si esa conjunción fuera posible. El genio puede permitirse ser un monstruo, un payaso, un actor dedicado las 24 horas del día a interpretarse a sí mismo, y a producir a gran velocidad obras que tengan en el mercado el valor de una marca de lujo, y a alimentar una leyenda que al envolver las obras en un aura de heroísmo o de disipación multipliquen su precio.

Seguir leyendo.

15.45 / Cuatro

Seguir leyendo.

En su última película, dicen las crónicas de Cannes, Jim Jarmusch presenta a los zombis (seres por regla general poco comunes en el cine de autor) como una metáfora del abismo consumista al que nos dirigimos los humanos. No es la primera vez que Jarmusch echa mano de los muertos vivientes para hablar de la alienación contemporánea, ya lo hizo en la maravillosa Solo los amantes sobreviven, donde el cineasta estadounidense contraponía la moral amorfa de los zombis con la de unos cultos y decadentes vampiros. La aristocracia de los frágiles y eternos chupasangres frente a esa masa sin cerebro que solo sabe tragar.

Seguir leyendo.

Que las tramas de la serie La otra mirada son feministas quedó muy claro a lo largo de su primera temporada. A través de las profesoras y alumnas de una academia para señoritas de la Sevilla de los años veinte, esta ficción de La 1 se adentra en temáticas de género y reivindicaciones con un fuerte eco en la sociedad actual. Con su segunda temporada (que arranca este lunes a las 22.40), la serie también predica con el ejemplo: su coordinadora de guiones, Alba Lucío, ha decidido contar con un equipo compuesto solo por escritoras, a diferencia de la entrega pasada, con un grupo paritario.

Seguir leyendo.

Walt Whitman nació el 31 de mayo De 1819 en Nueva York, en West Hills, a unos 40 kilómetros del actual Empire State Building, por dar un dato preciso, extraído de Google Maps. Calcula Google 10 horas andando desde West Hills hasta Manhattan. Más de una vez haría ese camino este poeta del que ahora se cumplen 200 años de su nacimiento. De Whitman no se ha dejado de hablar jamás, ha estado presente en todo momento de la historia literaria. Su fama no conoce altibajos. En eso ha acabado siendo como Dante, Cervantes, Shakespeare o Tolstói. Whitman es un fundamento de la literatura y el poeta más misterioso y a la vez popular de la modernidad. Haríamos bien en preguntarnos, aprovechando este bicentenario del autor de Hojas de hierba, por qué de vez en cuando la literatura produce esas obras casi sobrenaturales que se inscriben en la historia de una forma ineludible. Puede que Whitman, como Dante o como Tolstói, supiera que la literatura funda la ilusión de la espiritualidad, de las emociones vivas, sin la cual los seres humanos nos sentimos desamparados.

Seguir leyendo.

Después de más de medio centenar de álbumes grabados y cientos de canciones compuestas a lo largo de su carrera, muchas de ellas auténticos himnos de la trova y la canción cubana, caer en los dulces brazos del jazz y de los estándares norteamericanos de toda la vida era algo que, antes o después, inevitablemente iba a sucederle a Pablo Milanés. El resultado se llama Standars, un disco donde versiona clásicos de Frank Sinatra, Nat King Cole o Ella Fitzgerald, cantadas en inglés. El álbum, grabado entre el 14 de febrero y 1 de marzo de 2017 en el estudio de Milanés en La Habana y editado en Cuba por Bis Music, saldrá en las próximas semanas en todo el mundo.

Seguir leyendo.

El cine a concurso en Cannes no había preparado ningún manjar especial en las postrimerías de la fiesta. Estratégicamente, los platos fuertes siempre los sirven antes, cuando la gente de la industria, gran parte de los informadores y mucho público de paso todavía permanecen aquí. Hubo alguna excepción gloriosa, como el estreno de la volcánica y genial Léolo, que se exhibió el último día del festival y que debimos de ver un grupo tan escaso como entusiasmado. A lo peor tampoco la vio el jurado, ya que imperdonablemente no le concedió ningún premio ni mención. Da igual. Nadie se acuerda de quiénes formaban ese jurado, pero la desgarrada historia de aquel niño canadiense que susurraba “porque sueño no estoy loco” permanecerá para siempre en la historia del cine.

Seguir leyendo.

El arte español posterior a la dictadura ha sido escenario de constantes desencuentros entre creadores, directores de museos, comisarios y gestores culturales. Bastante despolitizado desde la disolución en 1987 de la Célula de Pintores del Partido Comunista de España, su imagen interior y exterior no ha conseguido ser reconocible ni homologable. La cultura del pelotazo alejada de la creación territorial es una de las causas de esa falta de identidad del arte español más reciente, concluye el profesor y crítico Juan Albarrán (Zamora, 1981) en un ensayo titulado Disputas sobre lo Contemporáneo, editado por Producciones de Arte y Pensamiento.

Seguir leyendo.

El único teclado que Queen usaba como base de sus composiciones era el piano. Hasta que llegó The Game en 1980. El grupo no solo empleó por primera vez un sintetizador —en el tema Play de game—, sino que además experimentó con los ritmos disco y funk que habían eclosionado a mediados de los 70 y que sirvieron para juntar en la pista de baile a comunidades que parecían divididas sin remedio. De esta experimentación nació el descomunal Another one bites the dust. No solo fue el primer éxito disco de la banda, también el primero compuesto por el bajista John Deacon y su tema más vendido en América.

Seguir leyendo.

Una mañana lluviosa de primavera en Madrid, Rosa Torres-Pardo recibe a unos amigos que llegan a su casa saltando los charcos del jardín. Prepara un café, a continuación se sienta al piano y en señal de bienvenida interpreta para ellos un impromptu de Schubert. La melena corta de la pianista se agita ante la fuerza de sus manos anchas, de sus dedos poderosos en el combate contra el teclado del imponente Steinway. Impromptu es una pieza de piano que se caracteriza por su continua improvisación. Cada interpretación tiene un nuevo significado, pero si le preguntas a Rosa qué quiso expresar Schubert con esa pieza, la pianista vuelve a tocarla con el mismo impulso y contesta: “Esto es lo que el artista quería decir. El amor, si sabes explicarlo, ya no es amor. La música es lo que sientes mientras suena, los campos que dejas abiertos a la imaginación, es el silencio indecible que contiene”.

Seguir leyendo.

Oliver Laxe y Albert Serra ha logrado esta noche dos de los galardones del palmarés de la sección Una cierta mirada, decididos por un jurado presidido por la cineasta libanesa Nadine Labaki. En concreto, O que arde, de Laxe, se ha llevado el Premio del Jurado, y Liberté, Albert Serra, un Especial del Jurado.

Seguir leyendo.

El joven onubense David de Miranda entusiasmó a todos y salió a hombros por la Puerta grande. Aprovechó las buenas condiciones del sexto, el mejor toro del encierro, y dibujó una faena emocionantísima, basada en una gracia profunda, en la creatividad y el embrujo de un torero nuevo y sorprendente. Fueron cinco tandas; dos con la mano izquierda, hondas y hermosas, ligadas en una demostración de naturalidad, buen gusto, aroma, clase, y estilo.

Seguir leyendo.

Nunca había pasado en el festival de Cannes en los pocos años que llevan celebrándose los Rendez-Vous, encuentros en los que un cineasta conversa con un periodista sobre su carrera. Ni con Clint Eastwood ni con Alfonso Cuarón. Ni menos aún este año con Alain Delon, Zhang Ziyi o Nicolas Winding Refn. La organización tuvo que cambiar la ubicación del evento y de la sala Buñuel, con 452 butacas, se pasó a la Debussy, donde entran casi 1.100 personas. Y se quedó gente fuera, porque todo era poco para Sylvester Stallone (Nueva York, 72 años), que presentaba en Cannes una copia restaurada de Acorralado (1982) y un avance de Rambo V, ya en posproducción.

Seguir leyendo.

Me atrevo a pensar que si a Sílvia Munt no le ha acabado de salir Dogville, su nuevo espectáculo, es porque quizás el material no le iba. Mi teoría se basa en que, de convenirle, a lo mejor hubiera sido más fiel a la versión original de Lars von Trier en lugar de presentar esa extraña adaptación que firma con Pau Miró. Munt tiene en sus manos un reparto estupendo. Bruna Cusí (Grace, aquí rebautizada Virgínia) es una protagonista ideal, con todos los elementos para ofrecer un dibujo intenso, apasionado, pero parece que ni el nuevo texto ni la dirección se lo permiten del todo. Y lamento decir que también tienen poca tela que cortar Anna Güell, Andrés Herrera, Josep Julien, Lluís Marco, Àurea Márquez, Alba Ribas, David Verdaguer y Joel Bramona. Andreu Benito, que encarna al padre de la protagonista, es el único que tiene, en mi recuerdo, un pasaje similar al de James Caan.

Seguir leyendo.